31. Oktober - 3 November 2008
Solo-Präsentation: Wim Botha

Detail, Vanitas Toilette, 2008

Installation view, Vanitas Toilette
Art Forum Berlin, 2008

english version below

Wim Botha, Südafrikanischer Künstler (*1974 Pretoria; lebt & arbeitet in Johannesburg), konzipiert mit seiner Installation „Vanitas Toilette“ einen über dem Boden schwebenden Raum, uns mit barocken Pathos begegnend. Die der Arbeit zugrunde liegende Idee ist die der Gegensätze zwischen dem fehlbaren Individuum versus Machtmechanismen, der Manifestation von Macht und Religion im Gestern und Heute.

Ein simulierter Raum wird, aus einer über dem Boden schwebenden Badewanne und einem verspiegelten Kandelaber aus dem Wasser tropft, generiert. Das Wasser erhält hier eine metaphorische Bedeutung als nicht greifbares Medium, aber als Ursprung und Ende allen Seins, als Quelle des Lebens, in der christlichen Ikonographie gleichzusetzen mit dem Göttlichen Wort, aus ihm entspringt das Leben und kehrt dorthin zurück, als Sinnbild verstreichender Zeit.

Durch Verwendung von symbolhafter Sprache wird die vielfältige Kulturbindung von Zeichen bewusst gemacht, Spontanurteile sind zu vermeiden. Die Formulierung und das Register, das Spektrum kombiniert mit der sinnlichen Wahrnehmung, die Integration von Assoziationen, von Bildqualitäten und Perspektiven sind Ausdruckselemente und leiten den subjektiven Blick in eine ausdruckslogische Operation.

Die Hauptfarben der Installation Schwarz und Weiß verkörpern diese Dualität; ein Voraus- und Zurückblicken in der (Selbst-) Reflektion der Zwischenräume der verspiegelten Ebenen des Kandelabers in einen dazwischen liegenden imaginären Raum, oder Körper. Die unterschwellige Überschneidung zweier Realitäten, dem Innen und Außen, der Materialität und der Immaterialität, ist eingefangen im Moment der Wahrnehmung, dem Aufdecken des Versteckten.

Eine Büste greift die Symbolik von Macht als Objekt des Personenkultes, dem Narzissmus auf. Sie verweist auf einen stereotypen Menschen, gefertigt aus afrikanischen Bibeln. Das Papier als verwendetes Medium verweist hier ebenfalls in einer transzendentalen Ebene, in seiner fragilen Erscheinung, auf den Verfall physischen Materials, ebenso aber auf Beständigkeit im Sinne des niedergeschriebenen Wortes.

Jetzt erhält der Raum eine düstere Aura: die Büste schwebt über dem Bad, mit einem Rost als Boden- Qualen? In der Gewahrwerdung Janus, denn er öffnet die Türen und schließt sie auch wieder, er ist die Verkörperung von Anfang und Ende, kommt die Unterwerfung ins Spiel, die Unterwerfung der Zeit, der Verfall, der Zerfall.

„Diese Seite ist durch, dreht mich um und dann laßt uns essen.“ ["Assum est, inquit, versa et manduca."] (Martyrium des Hlg. Laurentius)

Und nun alles auf einmal: das nicht greifbare Wasser erhält eine Doppeldeutigkeit. Körperflüssigkeiten: wir beugen uns der Zeit, wir müssen, wir vergehen, es bleibt nichts übrig außer diesem Kreislauf von Tränen (emotionale Qual) und Blut (körperliche Qual), Schweiß (als Ergebnis einer äußeren Notwendigkeit) und ja! Urin (innere Notwendigkeit)- theatrum mundi, die Bühne!

Der „memento mori- Gedanke“ wird in eine inszenierte Illusion eines trügerischen Raumes verschoben, in eine beunruhigende, an die Allgegenwärtigkeit des Todes erinnernde Szenerie mit dem Verweis ablaufender Zeit und der Frage nach Vertrauen und Glauben. Botha konstruiert eine Geschichte, eine Konstellation und befragt nach dem Ausgang dieser.

english version

The installation by Wim Botha [South African, b. 1974 Pretoria; based in Johannesburg] entitled “Vanitas Toilette” displays a simulated room featuring a domestic but hovering interior. Opposing concepts are incorporated within a referenced Baroque style; modernity and the historical correlate in contradictions of the fallible individuals versus power mechanisms, in which figurative manifestations of power and religion by way of the idea of mortality are reflected.

A bath-like container is positioned beneath a mirror-sided vitrine, both suspended; the chandelier-like object is the source of dripping water into the bath. The water simulates on a symbolic level an elusive matter: the originality and finality in the meaning of passing time, the source and the nourishment of life, also in the meaning of the Divine word, alike spring: pouring or dwindling.

By use of some symbols their various cultural relationship is to brought to mind, the spontaneous decision is to avoid. The formulation and the register, the spectrum combined with apperception; the integration of associations, of image qualities and perspectives are means of expressions and lead the subjective view into an argumentative operation. The main colours– black and white– could be seen as references to the underlying motif of duality, of ambiguity.

The chandelier, made up of wood and mirrored glass, catches the (self-) reflecting moment in the present between reality and the created illusion of a room as a space, a body; subtly highlighting the boundaries between the material and immaterial; the moment of recognition, the enlightenment and that of the veiled.

More sets of opposites are to be found in the portrait bust: traditionally symbolising power, the iconic, mass-production and narcism. The bust is fashioned out of paper as fragile but physical matter, the transcendental eternal word. Now the room gets a sinister function: the bust suggestive of a stereotypic human carved from Bibles in South African languages and is placed above the bath with a lattice-like base- an agony?

In awareness of Janus, of the entry and the exit, servility of time becomes a reflexive matter in decay.

“This side is done, turn me over and have a bite” ["Assum est, inquit, versa et manduca."] (The Martyrdom of St. Lawrence)- All at once: the volatile water gets an ambiguity manifested and shifted into a more personal view. Bodily fluids like tears (emotional distress) and blood (bodily distress), sweat (outer necessity, as a result) and yes! urine (inner necessity) are some solutes of the circular flow that occurs continually, that will occur continually- theatrum mundi- the baroque stage.

The collection of objects: a reminder of shifting realities into the imminence of death, the “memento mori” concept pours out into a subtly disconcerting scene. They reveal a mirage and work to create a sense of ominousness and displacement: aspects of trust and belief in a logical passage of time, and the resulting narrative by constructed history and constellations are put into question by the artist.